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“Lejos de verse arrinconada por otras técnicas, la pintura vive hoy un buen momento y parece a un mismo tiempo ¿resucitada? y ¿asesina de otros medios?. Hablaríamos de un concepto expandido de pintura que se despliega en espacios y arquitecturas, o adopta forma de idea, incluso de metáfora de la historia del arte. Guillermo Mora, Esther Mañas, Elena Bajo, Patricia Gomez y María Jesús González, son los artistas que nos hablan de este nuevo modo de pintar, al tiempo que vemos sus trabajos y como broche final ofrecemos una pintura-performance de Elena Bajo, rodada en exclusiva para Metrópolis.”

Perfil del artista Francis Bacon, escandalosamente decadente figura con una tendencia bien documentada por el alcohol y la adicción a la ruleta, cuyos cuadros son de los más vívidos e inquietantes de la historia del arte. También es bien conocido por su turbulenta vida afectiva y sexual, y seas fan del trabajo de este artista, o no , su historia y este premiado documental definitivamente te intrigarán.

Tampoco te pierdas El Amor es el Diablo, película de ficción inspirada en uno de sus tormentosos amoríos y su monstruosa iconografía.

Las reglas están para romperse y la historia para reescribirse, y eso hizo David Hockney cuando descubrió el conocimiento secreto de los más grandes artistas del Renacimiento. Su tesis es que desde comienzos del siglo XV muchos artistas occidentales utilizaron la óptica (espejos y lentes, o una combinación de ambos) para crear proyecciones vivas que sirvieran de punto de partida a sus creaciones.

Lejos de desacreditar a los artistas que utilizaban estos métodos o sus grandes obras, lo que David hace es redirigir nuestra mirada, repensar en donde residía su maestría. Ya sea en el Renacimiento o en la actualidad, en lo analógico o en lo digital, la pericia del artista  está en en otro lado. Los medios no hacen al fin.

“ El conocimiento secreto no trata sólo de las técnicas perdidas de los grandes maestros. También trata del presente y del futuro. Nos habla de cómo vemos, arreglamos y construimos imágenes hoy en día en una época de manipulación informática. A través de una búsqueda constante, cuestionando las ideas y la práctica heredadas, y sin dar nada por supuesto, Hockney nos abre los ojos y nos hace ser conscientes de la manera en que percibimos y representamos el mundo.” (>txt de contratapa del libro)

Como bien dice David: Tiempos emocionantes se aproximarán si consideramos más puntos de vista :D

Muchas gracias a TheMakyeah, Elsa Torfer y Lucianaa miembros del ClubSub, que me ayudaron a subtitular este docu.

Este documental captura el proceso creativo del pintor alemán Gerhard Richter para satisfacer la curiosidad de aquellos a los que no les basta saber que sus obras son las más vendidas en el mercado global del arte. Este caballero ha pasado más de medio siglo experimentando con una enorme gama de técnicas e ideas, abordando crisis históricas y más tarde experimentando con procedimientos pictóricos aleatorios.

No conozco ningún otro film que capture de manera tan plena el proceso de un artista.  La cinta lo muestra en plena acción y también en reposo, contemplando la pintura sin moverse, esperando a que “le hable”,  con imágenes raras de archivo y conversaciones íntimas con sus críticos y colaboradores. Pero mis escenas favoritas son las que lo muestran en estado máximo de compenetración con el lienzo, después de todo lo mejor de esta película es exactamente eso: Gerhard Richter pintando.

Agradézcanle a SaraiBombai, Pola y a bduque miembros del ClubSub que han traducido los subtítulos de esta peli para poder compartirla con todos ustedes :D

“El grito, es el título de varios cuadros del noruego Edvard Munch (1863-1944). La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Oslo y fue completada en 1893. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que una cuarta versión pertenece a una colección particular. Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista
y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante al de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.”

El Surrealismo fue el último movimiento revolucionario del siglo XX, es planteado por Hughes casi como una religión. Dalí, Miró y Magritte se esforzaron por liberar la mente inconsciente a través de la fantasia/realidad.
Según Hughes, el surrealismo cumplió un rol fundamental al hacer de disparador para los primeros atisbos radicales del arte conceptual y de acción de los años 60.

Capitulo completo, doblado al español, 57 minutos.

“Al principio no quería ser artista, me parecía una forma de masturbación que no ayudaba a nadie” Baldessari comenzó su carrera como pintor. Nadie podría asegurar si era bueno o malo, porque en 1970 armó una pira y quemó toda su obra anterior a 1966, pero guardó las cenizas en una urna como testimonio de su inmolación.
Él, ahora declara que ese fue su renacimiento artístico, ya que ese acto le dio la posibilidad de repensar el arte de allí en adelante. La relación aleatoria entre imágenes y palabras a partir del trabajo con recortes compuestos como collages, lo llevó a una larga e irregular experimentación a lo largo de los años.

Muchas gracias a Tyrone Luna, que nos consiguió una versión subtitulada de este video :) Está disponible para subtitular en el ClubSub un interesante documental de larga duración de John Baldessari, buscamos voluntarios que nos ayuden acá.

Muchas gracias a Tyrone Luna, que nos consiguió una versión subtitulada de este video :)

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte (en francés :Un dimanche après-midi à l’Ile de la Grande Jatte) es un cuadro del pintor neoimpresionista francés Georges Seurat, ejemplo de puntillismo considerado por muchos una de las pinturas más relevantes del Siglo XIX.
Él pensaba que el conocimiento de la percepción y de las leyes ópticas podría ser utilizado para crear un nuevo lenguaje artístico basado en su propio sistema de heurística y comenzó a mostrar esta lengua usando líneas, y esquema e intensidad del color. Seurat llamó a este lenguaje Cromoluminarismo.

David Hockney no tenía mucha idea de lo que el director de este film,  Jack Hazan estaba haciendo cuando aparecía con su cámara y lo filmaba de a ratos durante un período de 3 años. Él con su cámara se convirtió en uno de los del grupo de amigos frecuentes de Hockney, entre los que estaban la diseñadora textil y musa del pintor  Celia Birtwell, su ex-marido el diseñador de moda Ossie Clark, el asistente de Hockney Mo McDermott y otros, incluido el artista Peter Schlesinger con el cual Hockney acababa de terminar una relación amorosa.
Hazan sugiere que el final de la relación sentimental da lugar a las dificultades creativas del artista, pero se limita a sugerir sin ofrecer conclusiones específicas. La situación es utilizada como excusa para que el espectador se adentre en el mundo visual del pintor.
En ocasiones el director hacía actuar a Hockney y sus amigos en ciertas escenas aisladas, pero por otro lado utilizaba material íntimo como la escena de Hocney en el baño, en la cual el pintor dice no haber sabido nunca que estaba siendo filmado. De hecho Hocney intentó hacer que el film no saliera a la luz y lo logró durante un par de semanas, hasta que finalmente se estrenó y fue un éxito en los cines underground de Londres, a donde iban los fanáticos del artista y del cine experimental. La película cuajó muy bien con el mundo artístico, pero no lo logró con los espectadores en términos generales.

Esta película que juega con los límites entre el documental y la ficción es un delicioso panorama de la vida Londinense de Hockney a principios de los años ’70s y se enfoca en su impulso creativo. Un película clave sobre la vida del artista y una de las primeras “de interés gay” según los expertos (Hockney fue el primer famoso británico en hablar libremente sobre su homosexualidad).